Arran Gregory est un artiste anglo-sri-lankais basé au Royaume-Uni. Travaillant la sculpture, la performance et le cinéma, il explore dans sa pratique notre relation au monde naturel à travers des matériaux bruts tels que l'argile, la terre, le sable et les pigments naturels. Son travail s'inspire de techniques de construction anciennes tout en abordant les idées d'impermanence, de lieu et de paysage vivant.

Nous vous parlons après que vous venez de terminer votre exposition individuelle à OmVed à Londres, comment vous sentez-vous ?

Je me sens très bien, OmVed est un joyau caché si spécial et le cadre parfait pour relier tout le travail que j'ai créé au cours des deux dernières années. C'est agréable de lui donner un contexte à Londres, la ville d'où je viens.

Votre travail commence souvent par un paysage plutôt que par un studio. Comment en êtes-vous venu à travailler avec le land art et les matériaux naturels ?

J'ai toujours été intéressé par l'exploration de notre moi primal et élémentaire en tant qu'humains et animaux. En 2024, j'ai quitté l'atelier où je vivais et travaillais depuis une décennie et j'ai décidé d'aller créer en extérieur. Je suis allée en Finlande pour une résidence artistique où j'ai passé un mois à travailler dans une forêt sans téléphone ni internet. J'ai ensuite passé six mois à voyager en Indonésie, et j'ai passé du temps dans la jungle de Bornéo à vivre aux côtés d'une communauté indigène.

Mes voyages ont approfondi ma relation avec la méditation ainsi que ma compréhension de notre relation à la nature et à tous les êtres vivants. Je n'ai délibérément emporté aucun matériel ni aucune idée préconçue, ce qui a ouvert un espace pour de nouvelles perspectives et expériences. J'ai commencé à créer à partir de matériaux trouvés, à construire à partir de l'environnement, puis à m'éloigner pour laisser l'environnement collaborer et évoluer naturellement hors de mon contrôle. Cela m'a vraiment permis de me percevoir et de me vivre en relation avec la nature plutôt que la nature en relation avec moi-même. Les matériaux ont commencé à raconter leurs propres histoires plutôt que l'inverse, et, depuis ce changement de perspective, j'ai appris tellement plus.

C'est devenu assez magique de voir les œuvres évoluer, se décomposer, être emportées par les flots ou germer comme des organismes vivants. Il y a tellement de métamorphoses et de changements qui se produisent constamment.

Vos œuvres sculpturales sont réalisées en pisé, une technique de construction ancienne qui a retrouvé un regain d'intérêt en tant que matériau durable. Il y a quelque chose de fascinant dans les techniques qui existent depuis des siècles et qui sont redécouvertes aujourd'hui. Pensez-vous que nous avons quelque chose à apprendre des anciennes façons de faire ?

Mes sculptures sont réalisées à l'aide de diverses techniques comme la construction en torchis et en adobe, ainsi qu'en pisé, que j'ai appris auprès de diverses personnes et communautés au fur et à mesure. Chaque culture à travers le monde a une histoire de travail avec la terre et les matériaux naturels – c'est une sagesse à laquelle nous aspirons à revenir à une époque où la déconnexion se fait de plus en plus sentir. Nous devons nous reconnecter à la Terre. Je trouve que travailler en extérieur avec des matériaux naturels est physiquement et psychologiquement valorisant. C'est enracinant, de la manière la plus directe, et l'argile est juste cette substance magique qui a tant à nous apprendre.

Vous avez récemment animé un atelier de pisé à OmVed Gardens. Quelle est l'importance du partage et de l'enseignement dans votre pratique ?

J'ai eu douze participants qui ont aidé à créer une sculpture en pisé à partir d'un moule. C'était mon premier atelier, et ce fut un succès ! Il y a un merveilleux sentiment de propriété partagée – surmonter ensemble et construire avec ses mains, ce qui est tellement affirmant. Le processus de fabrication devient si rituel et thérapeutique. Je suis fière car il est important pour moi de partager ce que j'ai appris en travaillant de cette manière. Je crois vraiment que cela peut aider les gens et les communautés. Travailler avec la terre est un simple rappel de la joie d'être dehors, de travailler avec nos corps et aux côtés les uns des autres. Les gens plaisantaient en disant qu'ils pensaient devoir chanter ensemble en travaillant – je pense que, si nous avions passé plus de temps ensemble, cela se serait certainement produit.

Une grande partie de votre travail existe en dehors de l'espace traditionnel des galeries – créé dans des paysages, souvent temporaire, puis documenté par la photographie et le film. Quelles libertés cela vous procure-t-il, et quels défis cela engendre-t-il ?

Cela n'a pas été sans défis. Les voyages que j'ai faits ont tous été autofinancés jusqu'à présent, et si une partie de moi aimerait tout laisser derrière elle pour aller vivre dans les bois, une autre partie reconnaît l'importance d'exprimer ce travail en ville. Je sens son importance – quand les gens regardent les films ou suivent les voyages à travers mon journal, ils ressentent ce sentiment de véritable reconnexion, à partir d'un lieu où l'on se souvient de qui nous sommes vraiment – c'est comme un exutoire. Parce que les œuvres d'art paysager à grande échelle que je crée sont majoritairement éphémères, mon journal documenté, mes photographies et mes films deviennent souvent l'œuvre elle-même, ce qui appelle à être exposé en galerie.

Mon exposition à OmVed a été une excellente opportunité pour cela. C'est réciproque – la forêt m'offre la liberté d'explorer, et la ville me rappelle pour partager mes découvertes dans un contexte contemporain.

Votre travail semble nous inviter à ralentir et à prêter attention. Pensez-vous que notre relation avec la nature est devenue trop distante, et la créativité peut-elle nous aider à nous reconnecter au monde qui nous entoure ?

Il est de plus en plus difficile de trouver le temps de ralentir en ville. Nous nous sommes offerts un tapis roulant constant de distractions épuisantes. Je pense que notre relation avec la nature est finalement une relation avec nous-mêmes, et à mesure que notre rythme d'opération sur la planète s'accélère constamment, nous nous désynchronisons des rythmes. La nature est lente – non pas en essayant de l'être, mais en faisant simplement ce qu'elle fait naturellement. Il s'agit d'être présent.

Une amie a récemment attiré mon attention sur une belle phrase d'un poème de David Whyte – "Je peux constamment crier que j'ai besoin de plus de temps, mais en réalité, le temps a besoin de plus de moi".

Cela résonne vraiment, et je pense que c'est vrai en ce qui concerne la distance que nous ressentons avec la nature. Expérimenter le monde naturel est le plus grand cadeau que nous ayons, et si nous ralentissons pour observer, la synchronicité se produit naturellement. La vraie créativité ne peut arriver que lorsque nous nous accordons au flux des choses. Lorsque nous nous accordons aux rythmes de la nature, tout redevient musique, poésie et danse, et nous nous souvenons que la Terre est notre professeur. L'antidote a toujours été de simplement sortir et de tomber amoureux de la curiosité et d'un sentiment d'émerveillement pour ce monde dont nous faisons partie. Cela ne doit pas être six mois dans la jungle de Bornéo – cela pourrait être de remarquer une minuscule mauvaise herbe poussant sur un trottoir devant votre maison.

Chaque artiste développe son propre langage visuel. Comment avez-vous trouvé le vôtre ?

J'ai trouvé le mien très tôt. Le plus important pour moi maintenant est d'apprendre à m'en détacher.

Quel est votre rapport aux vêtements ? Que portez-vous lorsque vous travaillez et est-ce quelque chose auquel vous pensez ?

J'ai besoin d'espace pour bouger quand je travaille, donc je préfère les vêtements amples. Je ne suis pas très intéressé par les tendances, je pense que j'aime simplement porter des vêtements de travail fonctionnels et les laisser vieillir avec moi, donc j'ai tendance à porter les mêmes choses pendant des années une fois que j'ai trouvé quelque chose de confortable.